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Traditional and gospel bluegrass with tight harmonies and a refreshing upbeat sound
The Redeye Ramblers,a bluegrass music band from Asheville, N.C. began playing traditional, gospel, and original bluegrass music together in the fall of 2006. These musicians combine many years of experience playing and performing bluegrass music.
Inspired by the music of Bill Monroe, Flatt and Scruggs, and the Stanley Brothers, among others, the Redeye Ramblers strive to preserve the vocal and instrumental character of the founding fathers of this unique American genre.
Recommended if you like ------------------------------------- * Bill Monroe * Jimmy Martin * Lester Flatt & Earl Scruggs
Genres you will love ----------------------------------- * Country: Bluegrass * Spiritual: Country Gospel * Moods: Type: Acoustic
Tracks: --------------------------------------- 01. I'll Go Steppin' Too 02. Wicked Path Of Sin 03. Whose Shoulder Will You Cry ON 04. Sittin Alone In The Moonlight 05. If I Lose 06. Walkin' To Jerusalem 07. He Opened My Eyes 08. Ocean Of Diamonds 09. Light At The River 10. Down To The River To Pray
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History --------- In their own words... "The Redeye Ramblers came together in the fall of 2006. A few old friends getting together to pick a little bluegrass and the next thing you know we’re putting out a CD! We really had no idea this was where our efforts would end up.
Growing up in Salisbury, North Carolina, I heard “hillbilly music” once in a while, but I really became interested in bluegrass while living in the Washington, D.C., area in the mid 1970’s. You could go out to hear the Seldom Scene, the Country Gentlemen, and the Johnson Mountain Boys playing in the clubs up there about any time you wanted to, and I fell in love with the music. I started learning guitar at that time, and played with my first bluegrass group in the Chapel Hill area in the early 1980’s, the Piney Mountain Boys. But I basically gave up music when I joined a busy physician practice in Asheville, N.C.
In the fall of 2006, after a long hiatus from playing bluegrass, I called Mark Canter (bass) and Bob Reynolds (mandolin) to see about putting together a band. Mark was a Weaverville, N.C. native whom I had known for a long time, and Bob, originally from Alcoa, Tennessee, was another physician in Asheville who had played with bluegrass and country groups in the past. None of us had been playing much music for a number of years, however, due to the demands of our “day jobs.” Once we started practicing, we found we really enjoyed singing and playing together, and we decided to form a band. We all loved the traditional and gospel bluegrass music, and we also brought slightly different musical tastes and backgrounds to each other. Struggling with a name, we finally settled on “The Redeye Ramblers” because we were so old that our eyes would get red and irritated if we stayed up much past 9:30 at night!
In 2007, we were joined by Tom McKinney (banjo and vocals) and Lori Little (fiddle and vocals), both natives of Asheville. Tom is a highly regarded banjo picker in western North Carolina and had played for a number of top groups, including the Nashville Grass and the Shenandoah Cut-Ups. We managed to coax Tom out of retirement to play with us. His powerful Scruggs- style banjo playing can be appreciated on these selections. Lori has not only upgrades the appearance of our band but also adds her fine fiddle playing to our sound. As you will see when you listen, she has a truly beautiful and inspirational voice as well.
Our musical influences are those of the old masters, including Flatt and Scruggs, Bill Monroe, and the Stanley Brothers, as well as more recent influences. The wonderful lead and tenor singing of Russell Moore has had a major influence on me.
We love performing our music for bluegrass fans in local venues and in churches. We derive great joy playing Gospel bluegrass, as it captures the traditional harmonies and rhythms so well. The title cut, He Opened My Eyes, our only original tune on this CD, is really an expression of my spiritual journey over the last several years.
We are fortunate to have a lot of loyal friends and fans in western North Carolina who have supported us through our live performances, and we would like to thank them. We would like to thank our families who have encouraged and supported us in our efforts. We would also like to thank Eddie Swann at Regal Music Group who masterfully led us through the often-tiresome process of recording, editing, and producing this collection of songs. For me, as well as several of us, putting together a CD was an entirely new experience, and Eddie’s patience and competence has greatly enhanced the end product.
Finally, we acknowledge the presence of God in our lives as the giver of all of our creative gifts. " ---> David Troxler (The Redeye Ramblers)
Members of the Redeye Ramblers: ---------------------------------- Bob Reynolds, mandolin, guitar; lead, baritone, and bass vocals Tom McKinney, banjo; baritone and bass vocals Mark Canter, acoustic bass; lead and baritone vocals Lori Little, fiddle; lead and back up vocals David Troxler, guitar; lead and tenor vocals
Las Malvinas son argentinas es una gran frase. Es uno de los eslóganes de la patria y, al mismo tiempo, la síntesis de una idea de esa patria; las Malvinas son argentinas, dice: afirma una calidad teórica, sostenida por supuestos merecimientos históricos, que la realidad se empeña en desmentir. Y no dice las Malvinas serán argentinas, podrán ser argentinas, deberían ser argentinas; dice que lo son, porque está escrito en las tablas de la justicia históricogeográficopolíticoinmanente. Donde deben estar escritas también todas esas certezas acerca de lo maravilloso que es nuestro país –y sin embargo estamos como estamos. Las Malvinas son argentinas, dice, pero se ve obligado a decirlo porque –en la realidad pura y dura– no lo son. Una idea de la patria: como quien dice somos, siempre, lo que deberíamos ser, un supuesto futuro; somos lo que seremos –o lo que, al fin, no somos.
–Bueno, señor, hay que ponerse metas en la vida.
–Sin duda, mi estimado. ¿Y no podremos encontrar metas mejores? ¿Algo del estilo la comida de los argentinos es argentina, la salud de los argentinos es argentina, la educación de los argentinos es argentina o, por sintetizar, los argentinos son argentina?
En estos días volvieron las Malvinas, y lo primero que me incomodó fue la causa aparente: el gobierno argentino protestó porque una empresa británica empezaría a explorar la posibilidad de petróleo en esa zona. Era un clásico caso de ahora se vienen a acordar: ese mismo gobierno lleva siete años manejando un país donde casi todo el petróleo es explorado y explotado por empresas extranjeras.
No sólo porque Carlos Menem –cuando Kirchner lo definía como “el mejor presidente que tuvo la Argentina”– privatizó YPF con la ayuda del señor gobernador y su señora legisladora, y los recompensó con los famosos 500 millones que siguen desaparecidos. Eso es historia antigua, de una época en que todos los que ahora dicen perro decían gato –y esperan que creamos que siempre ladraron. Pero no es necesario ir tan lejos: en 2008, en plena reforma kirchnerista, la Legislatura de Santa Cruz, perfectamente kirchnerista, extendió la concesión de la explotación de su petróleo a una empresa americana, la Pan American Energy, hasta el año 2047 a cambio de regalías muy menores. Y, mientras, el gas y el oro y la plata y el cobre y los demás recursos del subsuelo siguen en manos de empresas extranjeras que pagan impuestos ridículos y no necesitan un ejército de ocupación para proteger sus saqueos en San Juan, Catamarca, La Rioja, Chubut. Lo hacen cómodamente, bajo este mismo gobierno que, de pronto, se probó el traje nacionalista y le tiró de sisa: les quedaba pifiado que defendieran tan tenaz el petróleo distante cuando nunca defendieron el del patio de su casa.
Entonces a más de un mal pensado se le ocurrió que lo que querían era “malvinizar” la coyuntura. Malvinizar es uno de esos verbos argentinos específicos que pueden desaparecer durante años y después, de pronto, resurgir del arcón con renovados bríos: malvinizar sería “utilizar la reivindicación y la memoria de las islas Malvinas para desviar la atención de otros problemas más urgentes” –y su inventor, sin duda, el ínclito Galtieri. Quizás este gobierno haya querido hacerlo: no lo sé, y nunca me gustaron los juicios de intenciones. Quizá realmente en términos de derecho internacional era necesario protestar ante las prospecciones para mantener la causa viva en las cortes del mundo. En cualquier caso, las Malvinas volvieron a convertirse en arma arrojadiza de los debates politiqueros del momento.
Pasa cada tanto –y nunca pasa nada. La soflama malvinera es una de esas recurrencias argentina, y lo que me gustaría averiguar es si se gasta. No termino de saber si la argentinidad de las Malvinas sigue siendo una reivindicación muy popular: si importa a muchos argentinos, o no les importa demasiado pero creen que no deben decirlo, o no les importa y lo dirían si se lo preguntaran. Es difícil saberlo: para empezar, están los muertos. Parece como si no se pudiera hablar, debatir este asunto porque hubo una cantidad de argentinos desafortunados que murieron allí, peleando bajo las órdenes del general Menéndez. Es el chantaje clásico: los muertos matan la posibilidad de discutir ideas, y convierten cualquier debate en un duelo de lealtades y traiciones. Y, aun si alguien cruzara esa barrera, se toparía con todo el aparato de la patria: decir no me importan las Malvinas –o, por lo menos, me importan mucho menos que otros cuarenta y cinco puntos en la lista– es exponerse a la cólera nacionaldivina.
Es probable, también, que a muchos les importe todavía: que tantas décadas de martilleo escolar sigan siendo eficaces, que una de las premisas ideológicas de la nación no se disuelva sólo porque el tiempo pase o la pobreza nos ataque o un general borracho haya creído que podía –y haya podido– usarla en su provecho. Yo también soy de esos que, chiquito, se compró todo el paquete cultural Próceres y Triunfos Argentinos; soy de los que recitaban convencidos que la bandera azul y blanca dios sea loado no había sido atada jamás al carro triunfal de ningún vencedor de la Tierra, y escribía poemas a Belgrano y San Martín y habría querido ser Sarmiento y fui, después, de esos que gritaban el final del Himno. Y, aún así, ya entonces la insistencia en la argentinidad de las Malvinas me resultaba sospechosa.
–¿Sospechosa? ¿Qué quiere decir con sospechosa?
–Sospechosa. Creo que quiero decir sospechosa. A veces me sucede.
Nunca entendí que nos importara tanto la posesión de 12.000 kilómetros cuadrados vacíos en el medio del mar cuando teníamos un millón de kilómetros iguales vacíos en el medio de la tierra, a los que nunca les hicimos ningún caso. Entonces me explicaron –muchas veces, me explicaron– que era un símbolo: que no podíamos permitir que una potencia colonial ocupara un territorio que nos correspondía por geografía y por historia. Por geografía parecía, por historia era raro: primero la pobló un francés, después la compró el rey de España, después el gobierno protoargentino la usó como tierra de destierro y terminó por dársela a un comerciante alemán, Vernet, a cambio de una deuda. Entonces vinieron los ingleses y la ocuparon –no muy distinto de cómo Rosas y Roca ocuparon la Pampa y la Patagonia, sólo que no tuvieron que matar a nadie. En ese punto te contestan con la legitimación del atropello más antiguo: el territorio ya había sido tomado por los españoles, así que nos corresponde, como todo lo que tomaron gracias a la bula del papa Alejandro Borgia. Y, de últimas, el recurso de la razón geográfica: sí, es cierto, pero las Malvinas están acá nomás, al lado nuestro. O sea: que la ocupación de territorios vale siempre y cuando sean vecinos, o algo así.
Pero menos entendía que nos insistieran en que esas islas lejanas eran nuestra deuda con la historia, en lugar de pensar que esa deuda era, por ejemplo, el tercer cordón del conurbano o las quebradas de la Puna o los bosques del Chaco –y sus millones de habitantes: las vidas de los argentinos son argentinas. Hasta que fui notando que el nacionalismo es un recurso que suele servir para que los habitantes de un país supongan que los culpables de sus desgracias son los habitantes de otro país y no los dueños del propio: que los causantes de nuestros males, digamos, son los piratas ingleses, no los ricos y gobernantes argentinos –que, por eso, suelen usarlo en sus momentos de menos cariño popular, para calmar las aguas o, por lo menos, desviar las olas.
En estos días volvieron las Malvinas. Supongamos que siempre fueron, más que nada, un símbolo: la forma de decir no vamos a dejar que nos ocupen otros, que nadie nos mande –lo cual sonaba particularmente curioso, levemente vacuo en esos largos períodos en que nuestros gobiernos cumplían las órdenes de Londres o de Washington sin dejar de agitar el eslogan. Pero, de todos modos, era un símbolo casi puro, sin ninguna utilidad concreta; ahora, de pronto, su carácter simbólico se completó –¿se complicó?– con uno fuertemente material: resulta que sirven para algo, que pueden ofrecer dinero so forma de petróleo. Es, quizás, un momento nuevo en la historia malvinera. Que llega cuando, a fuerza de repetir slogans como ése de que las Malvinas son argentinas, terminamos por conseguir algo muy parecido o lo contrario: que la Argentina sea malvina; que se haya vuelto un territorio ajeno, lejano de sí mismo, una mera construcción simbólica que nos sirve para muy poquito. Ser argentino significaba algo cuando significaba que, por serlo, uno tenía derecho a todas esas cosas –una vida, salud, educación, comida–; si no es eso, no significa casi nada: una vez más, un símbolo vacío.
Esta nota la escribioMartín Caparróspara Crítica de la Argentina.
Bueno, pongo este disco aquí en el foro de jazz pero es una mezcla de diversos ritmos (latino-blues-jazz-folk ...). Yo lo calificaría como "art decó music" Lo principal es el tratamiento vocal de los temas, como todos quienes degusten de Manhattan Transfer conoceran. No es una creación magna, pero hacer las cosas bien y depuradas ya es gran mérito.
1. Route 66 (3:20) 2. Jeannine (5:30) 3. My Cat Fell In The Well (Well! Well! Well!) (2:45) 4. The Duke Of Dubuque (2:20) 5. How High The Moon (1:58) 6. Baby Come Back To Me (The Morse Code Of Love)(2:52) 7. Safronia B (2:08) 8. Heart's Desire (2:40) 9. That's The Way It Goes (2:49) 10. Unchained Melody (2:30)
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Escúchalo, y si sientes que te tamborilean los dedos de los pies ..., puedes lanzarte a bailarlo. ¡Qué lo disfrutes al menos tanto como yo!
V.A. - Ladies Only - The Beatles covers (CD 3) MP3, 141 Mb, 320 Kbps, Beatles Covers
Tracks: ---------------------------------------------------------------------------- 1 Barbara Casini - Drive My Car - Stasera Beatles (1998) 3:27 2 Sergio Mendes & Brasil '66 - Norwegian Wood - Ye-Me-Le (1969) 3:53 3 Dar Williams - You Won't See Me - This Bird Has Flown: 40th Anniversary Tribute to Rubber Soul (2005) 3:32 4 Chris While - Nowhere Man - Rubber Folk (2006) 3:12 5 Helen Merrill - The Word - Sings Beatles (1993) 4:41 6 Rita Lee - Michelle - Aqui, Ali, Em Qualquer Lugar (2001) 2:44 7 Lisa Lauren - I'm Looking Through You - Lisa Lauren Loves The Beatles (2006) 4:01 8 Allison Crowe - In My Life - Tidings (2004) 3:01 9 Cara Dillon & Sam Lakeman - Wait - Rubber Folk (2006) 3:04 10 Barbara Dickson - If I Needed Someone - Nothing's Gonna Change the World (2006) 2:26 11 Nancy Sinatra - Run for Your Life - Boots (1966) 2:40 12 Holly Cole - I've Just Seen A Face - Bob Belden Presents: Strawberry Fields (1996) 3:54 13 Barbara Casini - Taxman - Stastera Beatles (1998) 3:13 14 Rosanne Cash - I'm Only Sleeping - Retrospective (1995) 3:12 15 Anna-Bella Munter - Love You To - My Little Bird Of Happiness (2004) 3:52 16 Sissel - Here, There and Everywhere - Gift of Love (1999) 2:39 17 Lampshade - Good Day Sunshine - Revolver Reloaded (2006) 2:32 18 Connie Evingson - For No One - Let It Be Jazz (2003) 4:14 19 Ella Fitzgerald - Got to Get You into My Life - Ella (1969) 3:04 20 Sheila Chandra & Monsoon - Tomorrow Never Knows - Third Eye (1983) 4:05 ------------------------------------------------------------------------------------------- Total Time 67:26
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Note: The Beatles are probably the most influential group of musicians… EVER.
Their songs have been covered by musicians in almost every genre: from rock to folk, disco to trance, jazz to easy listening, Latin to reggae, classical to electronic and just about everything else in between.
There is something about a Beatles song that makes people want to cover them and that leads us to this compilation.
The “people” involved are all women: a “Ladies Only” affair. Women, except for two instrumentals performed on violin and cello, sing all the 140 songs on these seven discs.
This was an incredibly fun project!
Totaling almost eight hours of music, I hope you enjoy “Ladies Only: The Beatles”
THIS IS CD 3 It covers albums: "Rubber Soul" and "Revolver"
Jimi Hendrix: 40 aniversario de su muerte. Unos cuantos temas oficialmente inéditos (unos por la nueva edición de su sonido, otros incompletos que han pasado por las mesas de mezclas, otros que no llegaron a incluirse en ningún album oficial) Todos ellos, ahora, con un buen sonido. Una vuelta de tuerca más de la insaciable industria discográfica y herederos del muerto, para los insaciables seguidores y nuevos beneficiarios. Este es el quinto disco de estudio póstumo que se editará del difunto guitarrista de Seattle, incluyendo íntegramente material que nunca antes había sido publicado así (ya que ha sido remezclado para la ocasión). A pesar de todo, Hendrix merece la pena.
TEMAS: ■Stone Free. Grabada en mayo de 1969. ■ Valleys Of Neptune. ■ Bleeding Heart (original de Elmore James). ■ Hear My Train A Comin’. (Eléctrica) ■ Mr. Bad Luck. ■ Sunshine Of Your Love (original de Cream). ■ Lover Man.(Nueva versión) ■ Ships Passing Through The Night. ■ Fire. 1969. ■ Red House. 1969. ■ Lullaby For The Summer. ■ Crying Blue Rain.
MAS INFORMACIÓN SOBRE LOS TEMAS:
Spoiler:
01. "Stone Free": The original 1966 recording by the original Jimi Hendrix Experience is best known as one of Jimi’s signature songs. The Jimi Hendrix Experience box set (2000) featured a new remake by the original group. Hendrix, Mitch Mitchell, and Billy Cox recorded this version in May 1969. It is a different recording entirely. 02. "Valleys of Neptune": This track was recorded in September, 1969, and May, 1970. This full-band version has never been released. An extract of a demo Hendrix made of this song -- featuring just Mitchell on drums and percussionist Juma Sultan -- was part of the short-lived Reprise/Polydor album Lifelines, which was in the marketplace between 1990 to 1992. 03. "Bleeding Heart": This cover of the classic blues song by Elmore James is different entirely from the versions featured on South Saturn Delta and (originally) on War Heroes. This recording has never been issued and features Jimi, Billy Cox, and drummer Rocky Isaac. It was recorded in April, 1969. 04. "Hear My Train A Comin’": This electric, full-band version is different from the famous 12-string acoustic version that was featured in the 1973 documentary Jimi Hendrix and subsequently on the album Jimi Hendrix: Blues. 05. "Mr. Bad Luck": Like “Valleys of Neptune”, a different version of this song was part of Lifelines in (1990). Jimi would later develop this song as “Look Over Yonder,” issued as part of South Saturn Delta. 06. "Sunshine of Your Love": A stage favorite for the group during the 1969 period which has never been released. 07. "Lover Man": Jimi recorded many different arrangements of this song, including the versions on both the Jimi Hendrix Experience box set (2000) and South Saturn Delta. This is an entirely different recording made in February, 1969. 08. "Ships Passing Through the Night": A never-before-released track taken from the last recording session by the original Jimi Hendrix Experience on 4/14/69. 09. & 10. "Fire/Red House": Both of these songs by the original Jimi Hendrix Experience were recorded at the same February, 1969, session. They feature the expanded stage arrangements Jimi had developed and are not alternate takes of the original 1967 recordings. 11. & 12. "Lullaby for the Summer/Crying Blue Rain": These April, 1969, recordings by the original Jimi Hendrix Experience have never been released.
Tracks: ---------- 01 - Five jeans jackets (are ready to go) 02 - High class Lady 03 - You will never stop me loving you 04 - Rockabilly renegade 05 - Ballad of a broken heart 06 - My woman she's gone 07 - Rattlesnake Cafe 08 - Desperados 09 - Scandinavian rock 10 - Overcharged 11 - There's no doubt 12 - Incarnation of rock 'n' roll 13 - Sitting by the river wasting time 14 - Coupe de Ville 15 - Spit it out 16 - The fate to lose 17 - Easy ride 18 - Wild wild wild
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Review The Lennerockers are a five piece rockabilly band from Hagen, Germany. They are a real "live on stage band" and watching them makes you jump and jive. They produce a very distinguished sound, a sound the Lennerockers themselves call "Western Rockabilly". Not country, mind you, but the use of instruments that are not normally used in a rockabilly band, like a banjo, dobro and mandolin, gives their kind of rockabilly a nice twist. And a fast one for that matter, because most of their songs are uptempo rockabilly tracks with a great slapping bass setting the pace.
You won't hear many cover-songs when you visit one of their gigs, or listen to one of their superb albums. Michael and Stefan Koch write almost all of their material themselves and they do a great job. Many great songs of their hands are sure gonna be rockabilly classics, like "Free As Birds", "Keep Cool" and "Women and booze and rock an' roll". Especially their first two albums sound as if they have been cut "live to two-track". If you happen to find one in your local recordstore; don't hesitate, git it! Their third album "Rebels of Nowadays" is memorable too, although it sounds like it has been recorded and mixed with much more modern techniques. All Lennerockers' recordings were taped at the TBS Record Studio in Schwerte (Germany).
The Lennerockers are almost "a family matter", besides Michael and Stefan Koch as the songwriters and driving musicians, their sister Inge is also greatly involved. Inge does the management and bookings, and she gets the job done right. Since their foundation in 1984 The Lennerockers became one of the most active rock 'n' roll bands in Europe. They appeared on many events, sharing the stage with lots of international artists. They also had very succesful tours backing Charlie Gracie, Larry Donn, Sandy Ford and Graham Fenton. Besides their musical abilities they impress people of all ages with their explosive stage-show.
The Lennerockers are: -------------------------------- Michael Ele Koch - Vocals, Banjo Frank Butgereit - Guitars, Vocals Stefan Koch - Piano, Mandolin, Dobro Michael Schott - Drums, Washboard Dieter Korth - Upright and Electric Bass
Discography: -------------------------------- Keep Cool (LR 860 13/3, 1986) Burn Out b/w As Trivial As True (45 rpm, Crea 1987) Move Your Feet (LR 880 13, 1988) Rebels Of Nowadays (Rockhouse, ROCKCD 9106, 1991) The Lennerockers And Friends, Vol. 1 (LR 92192, 1992) The Lennerockers Live On Stage (1993) Wild! Wild! Wild! (LR 95195, 1995) The Lennerockers And Friends, Vol. 2 (1997) Early Days, Volume 1 (1999) Early Days, Volume 2 (1999) Simply Beautiful (CD, 2000)
Resena: ------------- Hoy os traigo un disco de rockabilly. Pero del bueno, muy bueno. Desde Alemania. Mucho ritmo, guitarra con sonido rockabilly pero bateria y bajo de ritmo muy marcado con un aire muy country. Algun solo de piano al estilo western y hasta harmonica (excepto algunas canciones que son rockabilly puro). Voz grave y clara. Estupendos, sin estridencias, como a mi me gusta. Espero que a vosotros tambien!
01. Viborita 02. Dignificada 03. Cielo Rojo 04. La Bamba 05. One Blood 06. Malinche 07. Tirineni Tsitsiki 08. La Cucaracha 09. Mother Jones 10. Paloma Negra 11. Brown Paper People 12. Una Sangre 13. Yanahuari Nin
There’s no doubt that singer Lila Downs' profile is on the rise after her appearance in the film Frida and on the accompanying soundtrack, which led to a performance at the 2003 Academy Awards. The dividing lines between cultures and classes are major themes throughout the Mexican-American singer's decade-long career; but whereas 2001’s Border is more angry about the disparities, One Blood: Una Sangre is more inclusive, if only for the hopeful note of unity sounded in the English-language version of the title cut (the album has two distinctly different readings of the song sung, respectively, in English and Spanish). While much of the cumbia-based, genre-breaking material here is original, Downs and her band completely revamp two covers: Ritchie Valens classic "La Bamba" features techno beats and African drumming; the folk song "La Cucaracha" opens with wailing guitar before settling into a gentle reggae groove. Stylistically restless and lyrically didactic, One Blood: Una Sangre is as ambitious as it is beautiful.
Sentidos is Ana Lains debut album on the Different World label, produced by Diogo Clemente. At the studio, Ana had the precious collaboration of Diogo Clemente on the acoustic guitar (credited not only for the production, but also for the musical direction and arrangements), Fernando Araujo on bass guitar, Bemardo Couto on Portuguese guitar, Vicky at percussion, Ricardo Mota at cello and Ruben Alves at accordion, piano and melodica.
Sentidos is a contemporary approach to Fado, where one can find more introspective themes with simple lullaby melodies, that take us back to our childhood imaginary. On the other side, there are classical Fado references, as well as Portuguese traditional music influences.
Born in 1979, at Tomar- Portugal, Ana Lains started singing at early age and always had eclectic musical tastes, from jazz to bossa nova. In 1996, Ana entered the first musical contests, and received several awards, winning the 1999 Grande Noite do Fado. This special prize is also a revelation: according to Ana Lains, it is in Fado that she has found the best way to express and share her feelings with the audience.
At age of 22, Ana has already performed in stages in France, USA, Luxembourg, Belgium and Germany. The first recording experiences took place six years ago, for Songs about Lisbon, just before the invitation to be part of Difference's compilation Divas Do Fado Novo.
Tracklist: 01: Pouco Tempo 02: Passagem 03: O Fado Que Me Traga 04: Se Tu Viesses 05: Roseiral 06: Eu 07: Viver Junto De Ti 08: Vou Trair A Solidão 09: Negra Cor 10: Pêra Madura
Singer-songwriter Beth Stevens started playing banjo at age 12 and quickly learned piano, dobro, guitar and bass. She started in the music business as a member of the Stevens Family Band with her parents and her sister April. Beth and April also performed as the Stevens Sisters for a while. And her music is still a family affair — her dad is a member of her band, Edge; and her mother is the group’s personal manager.
After establishing herself as a guitarist, banjo player and vocalist with the Stevens Family, and continuing to evolve as a musician in the Stevens Sisters, a duo with her younger sister April, Beth Stevens now presents music from her own band, and it's a sound that definitely packs an emotional wallop. The band is called Edge, to represent its genre-bending influences from country to bluegrass and gospel to blues.
Half of the songs on Strong Enough were written by members of the Stevens family. They are deftly presented by Beth and her bandmates Douglas Stevens (her father) on guitar, Gary Wayne Laws on bass and Matt Leadbetter on Dobro. Guests include Steve Thomas, Jesse Cobb, Dale Ann Bradley, Shelton Feazell, Steve Gulley and Scott Vestal. "Demons and Angels," Beth's vocal duet with Steve Gulley of Grasstowne, speaks to the little voices of good and evil on the shoulders of those who are trying to deal with alcoholism. The title cut also makes reference to demons -- those encountered along the rough, rocky road of addiction.
In two other vocal highlights of the album, IBMA female vocalist of the year Dale Ann Bradley harmonizes on "If I Knew Then What I Know Now" and "Echoes of Love." Beth's slow and emotional delivery (she provides her own harmonies) offers a provocative setting and tone for the message. The CD closes with Dixie & Tom T. Hall's "The Filly and the Farm," an up-tempo story that infuses that good old bluegrass spirit into Steven's musical platform.
Contents: --------------------------------------------- 1. If I Knew Then What I Know Now 2. New Home 3. Back to Back Heartaches 4. Demons and Angels (feat. Steve Gulley) 5. Heading Out of Heartache 6. Strong Enough 7. Close By 8. Time 9. Sweet Peace (feat. Dale Ann Bradley) 10. I Can Hear Your Voice 11. Echoes of Love 12. Hands of Time 13. The Filly and the Farm
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Disc review Stevens, along with her band Edge, features eight originals on the 13 track album. Included in her band is her father, Douglas, who plays guitar and sings.
Beth is best known for her work with younger sister, April, with whom she was part of a touring duo until 2005, when April married. She is also known for her role with The Stevens Family band.
Beth primarily plays the banjo, but also strums guitar in a few of the tunes. Her high, cutting vocals are the primary element in the majority of the tracks.
Strong Enough features a very Nashville-oriented sound – likely influenced by producer Scott Vestal who took home both the producer and banjo player of the year at the 2008 International Bluegrass Music Awards (IBMA).
Inside the album’s cover, Beth acknowledges her band’s name and briefly explains her take on her music.
“I think the name represents the type of music we play. We’re not exactly traditional bluegrass, country, blues, or gospel, but we are just on the edge of all those genres of music,” Beth wrote.
The album, produced by Pinecastle Records, showcases aspects of each genre mentioned inside the cover. For those looking for a more traditional approach to bluegrass, this album might not satisfy your hard-driving desires.
It seems as if the album is building up towards a climax that never quite arrives. The majority of the songs feature a slower tempo and love-and-heartbreak-oriented lyrics.
Top tracks on the album are:
* If I Knew Then What I Know Now – original tune, fast paced, features Dale Ann Bradley (2008 IBMA vocalist of the year), impressive vocal melodies, dynamic Nashville sound. * Close By – written by Bill Monroe, standard instrumentals, well-done vocals. Monroe would approve. * The Filly and the Farm – written by Dixie and Tom Hall, a fun, lighthearted tune. About a girl who saves her family farm by winning a horse race at the local fairgrounds.
Guest appearances on Strong Enough include Jesse Cobb, Shelton Feazell, Steve Thomas, Steve Gulley, Vestal and Dale Ann Bradley.
Although this is a debut album, Stevens doesn’t fit the rookie mold. She’s performed on the Grand Ole Opry, CMT and PBS television and has toured with Merle Haggard, Brad Paisley, John Anderson, Ralph Stanley, Bill Monroe, Waylon Jennings and Gene Watson.
She has been featured in Bluegrass Unlimited, Smithsonian Magazine, Country Weekly, Rolling Stone and Bluegrass Now Magazine.
full Bio ---------- After traveling on the road with her family for over 20 years, East Tennessee native Beth Stevens has found a new home with Pinecastle Records. Beth Stevens has been performing since the age of 12 years old. The eldest daughter of the Stevens Family band decided to take up the banjo and it wasn’t long before she quickly picked up the piano, guitar, dobro and bass. She also wrote her first song at the age of 12, which lead to a string of many original songs that Beth penned along with the help of her family.
Beth is a prominent singer, songwriter and musician. Her songs have been recorded and performed by other artists. While receiving her Master’s in Education at East Tennessee University, she had the opportunity to play with the ETSU Pride Band along with Tim Stafford, Barry Bales, Adam Steffey and Kenney Chesney. She also had the honor of singing backup on Dolly Parton’s Halos and Horns project. She has performed on the Grand Ole Opry Live, CMT and PBS television many times and toured with the likes of Merle Haggard, Brad Paisley, John Anderson, Ralph Stanley, Bill Monroe, Waylon Jennings, Gene Watson and many others. Beth Stevens along with her band have traveled all over the United States, Canada, Europe and Japan. She has been featured in Bluegrass Unlimited, Smithsonian Magazine, Country Weekly, Rolling Stone and Bluegrass Now Magazine.
Beth resides in the beautiful hills of Roan Mountain, Tennessee along with her husband Keith Blackwell and her two sons Chase age 12 and Drew age 8 who make special guest appearances during the show. Band members include Douglas Stevens who is the father of the crew called Edge. He started playing guitar at age five. Doug along with his wife Betty formed The Stevens Family Band back in 1980. It was their hard work and sacrifice that provided the building blocks for Beth’s career. Doug sings lead and harmony vocals and plays guitar. He also writes songs and is the acting road manager. Betty Stevens is the personal manager for the group.
Gary Laws is the Bass player and vocalist. He now resides in Elizabethton, TN with wife Rachel, daughter Briana & son Bryson. Matt Leadbetter plays his signature model dobro made by Rayco Resphonics and sings harmony vocals. He has a wife Heather and son Houston. He makes his home in Pigeon Forge, Tennessee. Greg Hodge is the mandolin player for the band. He resides with his wife and two sons in Dandridge, Tennessee. Greg has performed with the Knoxville Grass as well as Dale Ann Bradley.
IBMA Producer and banjo player of the year Scott Vestal produced the new album on Pinecastle. Special guest appearances include Jesse Cobb, Matt Leadbetter , Steve Thomas and IBMA vocalist of the year Dale Ann Bradley and Steve Gulley. The album contains songs that cut across bluegrass, blues, country and gospel, eight of which are original tunes.
1. Requiem 2. Dancers at the End of Time 3. Calling Lightning Pt. 2 4. Lord Have Mercy 5. Nomads 6. El Rey 7. Goodbye Ruby 8. Riverboat
Bue, me llevo un disco posteo un disco. Bandita con onda setentosa psicodelica. Andan, el tema Lord have mercy me hace acordar a free bird (salvando las grandes diferencias), o capaz que soy yo que estoy quemado.
Members : Billy Ray, Bobby Sue, BB Stiff, Ken Tacky. Vocalists : Mary Joe (Annika Ljungberg), Scarlet, Whippy (Mia Löfgren)
In 1994, Rednex exploded on the charts worldwide. Their debut single Cotton-Eye Joe was a European No.1 and went on to become one of the biggest dance-singles of the 90's, with platinum sales in UK and many other countries, and gold in USA. In Germany, they went multi-platinum and stayed for a record breaking 10 weeks at no.1 which was followed up by two other no.1 multi-platinum singles: Old Pop In An Oak and the ballad Wish You Were Here (also released in an amazing dance version by Urgent C ). The press revealed that the true singer wasn't Ken Tacky., it was a country singer called Göran Danielsson . Rednex is the brainchild of a creative collective that originated from Stockholm, Sweden. The concept can be compared to an open book where different authors write a chapter each, doing it whenever there are ideas and enthusiasm. A bunch of friends, musicians, producers, actors, video directors, art designers, stylists, animators, software programmers etc., decided to start a hobby project to let out ideas that could not be used in their various commercial professions. These were controversial ideas with a dirty, non-esthetic, rough flavour, but with a general playful, partying and happy feeling. The amount of members in Rednex varies from day to day. The original squad that started the project is today living in various countries and several people have invited themselves into the project, creating what is today an international creative collective. In 1997 the record-company ZYX-Music released the single Riding Alone. No one knew why, because it wasn't even a new song and not even the group-members knew about it. 1999: The single The Way I Mate, which was very similar to the first hits, was not very successful. Rednex has always caused a lot of controversy with their different and fictitious image. They brought in a new singer named Whippy (Mia Löfgren) who replaced Mary Joe. Their male singer Ken Tacky left the group. In 2000 they made an amazing comeback with the single Spirit Of The Hawk, which went to no.1 in Germany and sold gold in less than 5 weeks, just like they did 6 years ago. It was used for the German version of the TV-game Fort Boyard. Then came Hold Me For A While, a ballad, and The Chase in 2001. 2001: Whippy left the project and was replaced by Scarlet. 2002: There were some changes among the Rednex team. BB Stiff, Bobby Sue and Billy Ray argued with the legal owner of the band name, so they left the band, and recreated a new formation called "The Original Members of Rednex". Rednex very first female singer Annika Ljungberg took part on the "Melodie Festival" to be chosen as "representative for Sweden" at Grand Prix d'Eurovision. The name of the song was Sail Away. Rednex released Cotton Eye Joe 2002, a remix of the hit that started it all... As well as a best of called Best Of The West which includes all their singles plus 5 unreleased songs. The group launched something of a minor comeback when they entered the song "Mama Take Me Home" in Semifinal 4 of the Swedish Melodifestivalen on 11 March 2006 in Gothenburg. They qualified for the final via the Second Chance Round, finishing an overall sixth in the final. The song "Mama Take Me Home" was subsequently released as a single in a few select European countries.Their comeback continued as they released the single "Fe Fi (The Old Man Died)" in November 2006, after having performed it at the Nickelodeon Kid's Choice Awards. It was surprisingly successful, reaching #4 in the Swedish Charts.
Rednex - 2006 - Mama Take Me Home
Rednex - 01 - Mama Take Me Home.mp3 Rednex - 02 - Mama Take Me Home (Singback Mix).mp3
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"Looking for a Star" is a country-dance song by the Swedish band Rednex.
Rednex - 2007 - Looking For A Star
Rednex - 01 - Looking For A Star (Original Single Version).mp3 Rednex - 02 - Looking For A Star (Instrumental Version).mp3
1. Après un rêve Op. 7 No. 1 2. Sylvie Op. 6 No. 3 3. Au bord de l'eau Op. 8 No. 1 4. Lydia Op. 4 No. 2 5. Le papillon et la fleur Op. 1 No. 1 6. Mandoline Op. 58 No. 1 7. Clair de lune Op. 46 No. 2 8. Les berceaux Op. 23 No. 1
Claude Debussy (1862 - 1918)
Trois Chansons de Bilitis
9) I. La flûte de Pan 10) II. La chevelure 11) III. Le tombeau des Naïades
Fêtes galantes, Set 1
12) I. En sourdine 13) II. Fantoches 14) III. Clair de lune 15) Nuit d'étoiles 16) Beau soir 17) Fleur des blés 18) La Belle au bois dormant 19) Noël des enfants qui n'ont plus de maison
Francis Poulenc (1899 - 1963)
Banalités FP 107 (Guillaume Apollinaire)
20) I. Chanson d'Orkenise 21) II. Hôtel 22) III. Fâgnes de Wallonie 23) IV. Voyage à Paris 24) V. Sanglots
Pendragon - The Window of Life (1993) MP3 | 77 Mb | VBR Kbps | Prog. Rock
Track Listings ----------------------- 1. Walls Of Babylon 2. Ghosts 3. Breaking The Spell 4. Last Man On Earth 5. Nostradamus 6. Am I Really Losing You 7. Fallen Dreams And Angels 8. Third World In The UK 9. Dune 10. Sister Bluebird 11. Armageddon 12. Insomnia
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Line-up / Musicians
- Nick Barrett / guitar, vocals - Clive Nolan / keyboards - Fudge Smith / drums - Peter Gee / bass guitar
WITH: - Simon Forster / harmonica
Disc review: ------------ Although a relatively early Pendragon album this is still a classic. It's a great chillout album full of long tracks with fantastic guitar passages and brilliant keyboards. The style in places is reminiscent of Floyd but incredible though it seems Nick Barrett's guitar playing makes the great Dave Gilmour sound like an amateur in comparison. The track 'Last Man on Earth' is probably the best individual Pendragon track ever and there are many other classics like 'Walls of Babylon' and 'Sister Bluebird'. The last four or five tracks are add-ons from other albums such as Fallen Dreams and Angels but are still good - especially 'Sister Bluebird'. Overall it's not quite on a par with the brilliant 'Not of this World' album produced many years subsequently but none the less has some of the most outstanding individual Pendragon tracks.
As with all Pendragon releases, Nick Barrett wrote the entirety of the lyrics and music for The Window of Life. While Barrett usually produces fairly high-quality material, on this particular album the results are not so good. The entire sound is flat, highlighting one of the dangers of organizing a band around the contributions of a sole member. The Window of Life is a typical 90's Pendragon album: long (and sometimes over-long) instrumental passages with a heavy guitar presence by Barrett, great keyboard work by Clive Nolan, catchy and semi-cheesy melodies and lyrics that range from thoughtful to headache-inducing. Every song on this album, with the exception of the last and shortest number, is about twice as long as it needed to be, making the album a difficult listening experience beyond a few songs.
The best piece on the album is the opener "The Walls of Babylon" (once it actually gets started, that is, about five minutes in). Most prog fans will probably disdain even this song, however, because the singing is quite cheesy and the opening instrumental is rather dull. The other pieces are pleasant, but mediocre. The best contributions come from Nolan's keyboard parts, which sound to me a lot like the best work by Tony Banks. Otherwise, this album is hit-or-miss. I see The Window of Life as the preliminary sketches for the excellent 1996 Pendragon album, The Masquerade Overture. Only the most committed Pendragon should seek this album out; if you're interested in the pop-epics of the 90's incarnation of the band, get the more mature album The Masquerade Overture.
Some history --------------- Neo-prog band Pendragon formed in London during the heady days of punk, but didn't coalesce until 1983, when the band began playing around London and earned a small spot at that year's Reading Festival. The lineup stabilized, after the 1985 album Jewel, around vocalist/guitarist Nick Barrett, bassist Peter Gee, drummer Fudge Smith and keyboard player Clive Nolan. Pendragon recorded the live album 9:15 in 1986 and began to establish a continental fan base the following year. European audiences proved enthusiastic, spawning a contract with the French M.S.I. label; nevertheless, the group was forced to form its own Toff label just to release material in England.
Pendragon lay dormant through the rest of the '80s, but returned in 1991 with The Rest of Pendragon -- a reissue of the early Fly High, Fall Far with added B-sides -- and their first new album in five years, The World. The album earned a U.S. release in 1993, followed by The Window of Life. A deal with the Japanese Pony Canyon label in 1994 resulted in the reissue of the entire back catalog, in addition to the new Fallen Dreams and Angels. The band made its U.S. debut a year later at L.A.'s Progfest, and released The Masquerade Overture early the following year.
Reseña Una buena muestra de lo que significa el rock neo-sinfònico-progresivo nos la pueden brindar los britànicos Pendragon. Esta banda constituye uno de los tres pilares de este gènero, junto a Marillion e IQ.
Estas tres, entonces, se encargaron de "desempolvar" el gènero que veìa su inevitable decadencia en terminos de popularidad a partir del año 1976 con la irrupciòn en escena del punk. Proporcionaron una bocanada de aire fresco al gènero, especialmente Marillion, vendiendo gran cantidad de discos y generando multitudinarios shows por todo el mundo.
Pendragon se formò en 1977, pero comenzò su carrera discogràfica a mediados de los 80 cuando IQ y Marillion ya habìan marcado un camino a seguir. Los miembros fundadores son el bajista Peter Gee y el lìder de la banda, el vocalista y guitarrista Nick Barret. No sufrirìan ningùn cambio hasta 1986, en su segundo disco (Kowtow de 1988), con la llegada de el baterìsta Fudge Smith y el excelente tecladista Clive Nolan (quien tambièn integrò la banda Arena y el proyecto a dùo Caamora, con la gran vocalista polaca Agnieszka Swita ).
En este disco tenemos a Pendragon en un momento de gran inspiraciòn. Al escuchar algunos pasajes, es inevitable caer en odiosas compraciones con las grandes bandas del pasado como , Pink Floyd, Gènesis, Yes, etc. Pero es interestìsimo la forma en que Pendragon logra mezclar todas estas influencias, creando un còctel muy interesante. El resultado es un puñado de canciones con melodìas hermosas, guitarras impresionantes y muy buenos arreglos de teclados.
"The Gates of Babylon" abre el disco y es inevitable destacar la eterna impronta de David Gilmour que reina sobre Barret. El tema arranca con unos "colchones" de teclados y un solo de guitarra que hace recordar muchìsimo a "Shine on You Crazy Diamond" de Floyd, pero sin dejar de ser un gran tema.
Luego "Ghosts", con una gran introducciòn de piano y una gran demostraciòn del buen dominio de la voz de de Barret y lindos pasajes de guitarra acùstica. Hace recordar mucho al Gènesis de "A Thrick of The Tail".
"Breaking The Spell", es allì donde Nick Barret nos demuestra ser un impresionante guitarrista. Su guitarra se lleva todos los aplausos es realmente impresionante, limpia, sin una nota que tenga desperdicio ni que estè de màs, es el timòn de la canciòn.
Otro gran momento es la suite "The Last Man on Earth", dividida en dos partes y como era de esperarse repleta de climas y con un pegadizo estribillo. Vemos, tambièn una muy buena secciòn de teclados. En la segunda parte (Paradise Road) se torna fuerte, con un potente soporte rìtmico de baterìa y bajo y una armònica que le dà un importante toque rockero. Uno de los temas mas populares de la banda.
Pendragon una banda que pese a lo mencionado anteriormente, tiene su identidad. Y para quiènes no la conocen aùn "The Window Of Life" es una gran oportunidad, asi como tambièn para conocer este gènero.
La venda Pendragon es una banda de rock neoprogresivo formada en Stroud, Inglaterra, en 1978 por el guitarrista Nick Barrett.
La banda de rock neo progresivo Pendragon, quienes tomaron su nombre como otros tantos del género, a partir del mito griego y dinastía Arturiana, se formó en Gloucestershire, Inglaterra, en plena época de apogeo punk y del new wave, a principios de los 80.
El nombre Pendragon es en honor al mitológico Rey Arturo, ya que ese era su apellido, aunque nunca han querido incursionar en esta tematica. La banda intenta transmitir en su música la nobleza y el misterio que dicho nombre despierta. Inicialmente conocidos como "Zeus Pendragon" (del que nadie parece saber el origen de la palabra Zeus), , la banda tomó Gloucestershire en 1978.
Hasta la fecha ellos han producido 8 discos en estudio, 4 discos en vivo y un video en vivo.
El verdadero despegue de la banda se inicia en 1982 cuando comenzaron a salir de gira junto a Marillion, logrando ambas bandas conseguir contratos de grabación con el sello discográfico EMI. Pendragon ha podido mantener el interes de sus seguidores durante tanto tiempo por la sencilla razón que nunca han estado de moda, por lo tanto nunca han dejado de estar de moda. El secreto del funcionamiento de Pendragon es simplemente su música. La banda no depende de cortes de pelo especiales, ni ropa de vanguardia o una imagen de galanes para comunicar su mensaje. Ellos recurren a una fórmula simple, pero lamentablemente muy olvidada; música elaborada de gran armonía y letras de fuerte contenido humano y espiritual, resaltando valores esenciales como el Amor y la Amistad.
No sería hasta 1983, cuando empezaron a presentarse en diversos clubes, que lograron una mediana fama en el ambiente local.
En ese sentido tuvo mucho que ver el quiebre a la fama del grupo Marillion que abrió una brecha para que varias bandas de este nuevo prog, con mucho potencial comercial, fueran tomadas en serio. Luego de haber tenido la posibilidad de tocar en el masivo festival Reading y firmados con Elusive Records, del mismo en aquel entonces manager de Marillion, vinieron a editar en un par de años dos placas maestras en su progreso, "Fly High, Fall Far" de 1984 y "The Jewel" en 1985. Además la agrupación estabilizó su formación con el vocalista-guitarrista Nick Barrett, el bajista Peter Gee, el baterista Fudge Smith y el tecladista Clive Nolan, estableciéndose la formación clásica de Pendragon. En 1986 grabaron el disco en vivo, "9:15", comenzando a instituir una entusiasta base de seguidores por toda Europa, que vio en Pendragon la renovación de grupos clásicos del rock sinfónico, como Genesis, Yes y Emerson, Lake & Palmer. Pendragon era otra de las bandas que no parecía rendirse al esquema comercial de la canción de 3 minutos y sin embargo, podían enganchar con un público más masivo que los convirtió en líderes de un movimiento, aunque de arrastre menor, igualmente importante.
Un crítico de música los ha llamado "el pequeño Pink Floyd", por el estilo de la guitarra parecida a la de David Gilmour y por los climas logrados en sus composiciones.
Luego de un largo período de inactividad discográfica, el grupo retornó en 1991 con "The Rest of Pendragon" -una recopilación de lo mejor de sus primeros trabajos, mezclados a los lados B de los sencillos- y su primer álbum original en cinco años, "The World", producido por Tony Taverner y publicado por el sello propio de Pendragon, Toff records, que hasta el día de hoy mantiene estricta relación con la banda y con su fan club. El álbum, que fue lanzado en 1993 en Estados Unidos, obtuvo una excelente repercusión en el ambiente progresivo y es considerado un momento notable en su evolución y diseño artístico, con la gráfica y la parte visual a cargo de un afamado artista de nombre Simon Williams. Este detalle era importante ya que el aspecto de los efectos e imágenes jugaban un rol importante en el montaje escénico de sus shows en vivo.
El siguiente paso de Pendragon fue la edición del elepé "Window of Life", que fue bien recibido a pesar del hecho de que el reconocimiento en Gran Bretaña siempre les fue esquivo, quizá porque la crítica inglesa nunca se ha abierto del todo para con las bandas del género prog-rock. Sin embargo había público en otras partes del planeta, por lo que firmaron un contrato con el sello de Japón, país en que contaban con una base importante de fanáticos seguidores, Pony Canyon en 1994, con quienes reeditaron todo su catálogo publicado hasta ese entonces. La agrupación se presentó en Estados Unidos en el festival progresivo de Los Angeles, a mediados de los 90, con lo que lograron transformarse en una de las bandas más respetadas del nuevo sonido sinfónico, haciéndose conocidos internacionalmente. Desde 1996 en adelante han publicado los discos "Masquerade Overture" -que se conoce también como una edición doble limitada- "Fallen Dream & Angels". Luego en 1998 el grupo terminaba de girar por el mundo para incluir Latinoamérica y tras eso publican la última producción de 1999, "Overture". Además, el tecladista Clive Nolan creó otra de las bandas más destacadas del rock progresivo contemporáneo, Arena, junto al ex baterista de Marillion, Mike Pointer. En el año 2001 la banda volvió a reunirse para grabar el extraordinario elepé "Not Of This World", además de estar planeando una extensa gira de promoción para el nuevo disco.
Miembros ---------------------------------------------- * Nick Barrett - guitarra, voz (1978-presente) * Peter Gee - bajo (1978-presente) * Clive Nolan - teclados (1986-presente) * Scott Higham - batería (2008-presente)
Miembros pasados ---------------------------------------------- * John Barnfield - teclados (1978-1984) * Nigel Harris - batería (1978-1986) * Rick Carter - teclados (1984-1986) * Fudge Smith - batería (1986-2006) * Joe Crabtree - batería (2006-2008)
Discografía ----------------------------------- * Fly High Fall Far (1984) * The Jewell - 1985 (***) * 9:15 Live - 1986 (*) live * Kowtow - 1988 (**) * The (R)est of Pendragon - 1990 compilacion * The World - 1991 (*****) * Live in Lille - 1993 (*) live * The Window of Life - 1993 (*****) * Fallen Dream and Angels - 1994 EP * Utrecht...the final frontier - 1995 (****) live * As Good As Gold - 1995 (**) EP * The Masquerade Oberture - 1996 (*****) * Live in Krakov - 1997 (****) live * Oberture - 1998 compilacion * Once upon a Time... in England Vol.I - 1999 (**) rarezas * Once upon a Time... in England Vol.II - 1999 (**) rarezas * The Round Table (Compilación Argentina) - 1999 (**) compilacion * The History (Compilacion+Rarezas) - 2000 (**) * Not of this World - 2001 (***) * Acoustically challenged - 2002 live * Liveosity - 2004 (pack acoustically+dvd) * Believe - 2005 * Pure (2008)
Análisis de discos ====================
* The Jewell : Fué el primer album del grupo y salió originalmente por el sello EMI junto a "Misplaced chilhood" de Marillion. Es un disco que te muestra las raices del grupo, algunos temas destacados "Alaska", "Leviathan" y por supuesto "Black Knight" que te muestra el estilo inconfundible del grupo * 9:15 - Live : Grabado en el legendario Marquee de Londres los dias 24,25 y 26 de Julio de 1986. El título del disco refleja la hora de inicio de los shows. Es la gira de promoción del "The Jewell" y algunos temas que serían despues incluidos en el "The Rest of Pendragon". * Kowtow : Es el segundo disco en estudio, con su formación definitiva despues del alejamiento de Rik Carter y su reemplazo por Clive Nolan. Este disco es la consolidación de la banda, porque además es grabado el el sello formado por ellos mismos "Toff Records", se destaca el solo de saxo por Julian Siegal en el tema "2AM". Algunos temas como "The mask", "Total Recall" y "Kowtow" siguen siendo una parte importante de los shows de Pendragon en vivo. * The Rest of Pendragon : Es el primer trabajo de recopilacion de temas de los origenes de la banda, interesante como pieza de coleccion mas que como pieza para escuchar. * The World : Es el primer gran éxito de la banda, es la puerta de entrada a la música de Pendragon. Contiene una suite de 23 minutos llamada "Queen of hearts" dividida en 3 partes de las cuales la primera y la última son una de mis favoritas. La famosa "The Voyager" con 12 minutos es quizas el tema mas solicitados por los fans e infaltable en las presentaciones en vivo. * Live in Lille : Originalmente un disco de promoción para el club de fans, se convirtió rapidamente en el bootleg oficial de la banda, grabado en Francia durante la gira "The world" este album tiene la caracteristica de NO haber sido manipulado ni re-grabado lo que te permite apreciar fielmente lo que es Pendragon en vivo, a pesar que fue grabado originalmente solo en 2 canales. * The Window of Life : No solo es su mejor trabajo en estudio, sino ademas uno de los mejores trabajos progresivos de todos los tiempos. Las líricas y composiciones alcanzan tal grado de madurez que será muy dificil poder superar este trabajo. El trabajo en las portadas a cargo de Simon Williams comienza a tornarse épico. Es imposible destacar alguna pieza en particular, pues todo el album es una obra maestra. * The Masquerade Oberture : Se completa la Trilogia "The World-The Window of Life" nuevamente Pendragon nos muestra su excelente nivel compositivo, La dupla Barrett/Nolan nos lleva de vuelta al Mistico mundo neoprogresivo del que son los maximos componentes. * As Good As Gold : Principalmente son rarezas del Masquerade Oberture, este trabajo debio formar parte del trabajo doble de la entrega original y no hacer una edicion limitada + este CD-Bonus * Once upon a Time... : Ufff. ¿mas rarezas aun?, ¿pero es que Barrett graba todo lo que toca? solo recomendado para verdaderos fanaticos... * Not of this World: Por fin Barrett, nos entrega su atrasadisimo trabajo, su divorcio lo afecto mucho y vuelca todo su estado de animo aqui, casi se puede decir que la trilogia de Pendragon se ha transformado en Tetralogia, el clasico estilo de Pendragon esta de vuelta y no nos abandonara..
Un disco recopilación para introducirse a disfrutar de la música de Wim Mertens. Es un disco accesible en el que la selección de temas ha apartado la faceta más minimalista y abstrusa de la obra de Mertens. Muchos de estos temas recordaremos haberlos oído como bandas sonoras de películas o cortometrajes. Para mí Mertens es un músico que logra que vivenciemos el clima de lo moral (es una apreciación personal). La elección de los títulos ya nos predispone : "La lucha por el placer", "Humildad", "Sin testamento" .... El pasado verano tuve el inmenso regalo de asistir a un recital suyo. Mertens estuvo modesto, entregado, por momentos transido de la embriaguez de su propia obra, como la mayoría del público que quedamos, pues más de la mitad abandonó el local del concierto tras el primer tema interpretado. Esta claro que por muy bueno que sea algo, también requiere el esfuerzo del receptor, y haber dedicado tiempo a educar su sensibilidad, una cualidad que está entre lo intelectual y el sentimiento.
1. Struggle for Pleasure 2. Birds for the Mind 3. Close Cover 4. Their Duet 5. Humility 6. Often a Bird 7. 4 Mains Listen 8. No Testament 9. Iris 10. Hors-Nature 11. Maximizing the Audience 12. Scene
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Es un disco para escucharlo muchas veces. Nieztsche hablaba de la música como medicación para el espíritu, creo que Mertens entiende algo parecido. ¡Qué lo disfrutes! ¡Recomiendo un par de cafés mientras lo escuchas!
Obras Pioneras Del Cine Mudo (1895-1917) - Luis Enrique Ruíz
PDF | 8,90 Mb | 485 páginas
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Obras Maestras Del Cine Mudo (1918-1930) - Luis Enrique Ruíz
PDF | 5,55 Mb | 436 páginas
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El cine mudo es un período de la historia del cine, desde 1895 hasta 1930, que va alejándose de nosotros según va pasando el tiempo. Ello hace que, el porcentaje que representa su recorrido vital, vaya disminuyendo en el cómputo global de la vida del arte cinematográfico. En consecuencia, sus obras van siendo, cada vez, menos conocidas por los aficionados, dado el manto del olvido que va cayendo sobre ellas.
Estas dos obras reseñadas son un viaje a los orígenes del cinematógrafo a través de las grandes películas que abrieron camino al cine posterior. Son una guía práctica, con datos, información y valoración que facilitan el visionado de las obras y la comprensión de su importancia histórica. Estos dos volúmenes completan uno de los repasos más exhaustivos que autor alguno haya realizado de la época gloriosa del cine mudo.
Luis Enrique Ruíz Álvareznació en Bilbao (España) el 23 de octubre de 1959. Doctor en Medicina y Cirugía, se ha especializado en Anestesiología y Reanimación y trabaja actualmente en el hospital bilbaíno de Basurto. Como estudioso del cine, ha colaborado con John Letamendi en el libro Aportaciones a los orígenes del cine español. También ha escrito otro volúmen sobre el cine mudo español.
!Qué tío... con un par! 
